Qué ver en la Galería de la Academia: Guía detallada de las mejores obras de arte

Artista: Giambologna

Año:* *1582

Localización: Sala del Coloso

La Violación de Sabinas está ampliamente considerada como la obra maestra de Giambologna. Giambologna se inspiró mucho en Miguel Ángel y, hacia finales del siglo XVI, se hizo famoso por sus composiciones de figuras entrelazadas. La estatua representa tres figuras conectadas por un movimiento en forma de serpiente. Un hombre levanta a la mujer en el aire y el otro se agacha debajo. Lo más fascinante de esta escultura es que fue tallada en un único bloque de mármol.

Artista:* *Jacopo di Cione

Año:* *1372

Localización:* *Habitación Orcagna

La Coronación de la Virgen de Jacopo di Cione es otra famosa pintura sobre tabla de la Galería de la Academia. Encargado por los magistrados de la Casa de la Moneda, el cuadro también recibe el nombre de "Retablo de la Casa de la Moneda". Coronación de la Virgen está muy adornada con oro e inspira fuertes sentimientos religiosos. El abundante uso del oro también hace que la pintura "brille" desde la base. Las telas y los ropajes de cada una de las figuras pintadas por Cione son increíblemente detallados, y esto contribuye al impacto general del cuadro.

Artista:* *de Miguel Ángel

Año: 1520

Localización:* *Sala de los esclavos

Otra maravilla de Miguel Ángel que puedes ver en la Galería de la Academia son sus famosas esculturas Esclavos. Los eruditos han dado nombres diferentes a cada una de estas cuatro estatuas inacabadas. Se les conoce como Esclavo despertándose, El joven esclavo, Esclavo barbudo, y Atlas o Bound. Se cree que Miguel Ángel no completó deliberadamente estas esculturas porque quería que simbolizaran la eterna lucha del ser humano por liberarse de las cosas materialistas.

Artista: Pacino di Bonaguida

Año:* Creado entre *1310-1315

Localización:* *Habitación de la planta baja de los siglos XIII y principios del XIV

El Árbol de la Vida de Pacino di Bonaguida (temple sobre tabla de madera) representa una compleja cruz en forma de árbol que, según el Apocalipsis, representa la Salvación y ofrece dones a la humanidad. Estos "dones" están representados por los frutos pintados junto a las doce ramas del árbol. Los medallones que cuelgan de cada una de las ramas del cuadro representan episodios de la vida de Cristo y de su Pasión y Gloria.

Artista:* *Lo Scheggia

Año:* *1450

Localización:* *Sala del Coloso

Cassone Adimari de Lo Scheggia se pintó en el panel frontal de un cofre de madera que suelen utilizar las novias para llevar sus pertenencias a su nueva casa. El cuadro de Scheggia representa un elegante desfile nupcial que tiene lugar en el centro de Florencia. El edificio blanco y verde del fondo es el Baptisterio de San Juan Bautista. En el centro del cuadro, Scheggia pintó a nobles y nobles bailando graciosamente bajo un colorido cortinaje. El ojo del artista para los detalles refinados también se aprecia en las largas prendas florentinas que adorna el pueblo.

Artista:* *Narco di Cione

Año: 1365

Localización:* *Habitación Orcagna

La Trinidad de Narco di Cione es una de las obras de arte más famosas que alberga la Galería de la Academia. La representación monumental de la Trinidad está insertada en el interior del panel central de un políptico, rodeada por dos santos. Este precioso panel se pintó originalmente para el Monasterio de Santa María de los Ángeles de Florencia, pero finalmente llegó a la Galería de la Academia. A ambos lados de la cúspide central principal de la Trinidad, Cione ha pintado dos ángeles propagando el incesto, mientras que la cúspide principal representa el "Agnus Dei", símbolo de la salvación humana.

Artista: Lorenzo Bartolini

Año:* *Siglo XIX

Localización:* *Sala Gipsoteca Bartolini

La mayoría de las familias nobles rusas, polacas e inglesas solicitaban bustos a Lorenzo Bartolini, principalmente por su capacidad para expresar la gracia y la belleza en sus esculturas. Puedes admirar estos vaciados en la Sala Bartolini de la Gipsoteca de la Galería de la Academia de Florencia. Estos vaciados de yeso no sólo muestran cómo evolucionó el arte florentino desde el neoclasicismo hasta el romanticismo, sino también la estética decimonónica característica de las obras de arte realizadas durante esta época.