Cosa vedere nella Galleria dell'Accademia

• Artista: Giambologna
  
• Anno: c. 1580 (modello in gesso); 1582 (versione definitiva in marmo)

Questa dinamica spirale di tre figure è stata la prima statua di questo tipo scolpita da un unico blocco di marmo. Il gesso mostra la visione originale del Giambologna, poi completata in marmo ed esposta in Piazza della Signoria.

Pro tip: Siediti vicino alla scultura per avere una visione a 360°: è stata progettata per essere apprezzata da tutte le angolazioni.

• Artista: Alesso Baldovinetti
  
• Anno: 1470

Dipinta per la chiesa di Santa Trinita a Firenze, quest'opera esplora il mistero della Santissima Trinità con uno sfondo drammatico e angeli eterei.

Suggerimento: cerca il piccolo teschio alla base, che simboleggia la redenzione attraverso il sacrificio di Cristo.

• Artista: Sandro Botticelli
  
• Anno: Fine del XV secolo

Una Sacra Conversazione con Maria, Cristo e sei santi, tra cui Cosma e Damiano (patroni dei Medici).

Suggerimento: individua i dettagli raffinati delle vesti dei santi, indizi visivi che collegano l'opera ai suoi committenti medicei.

• Artista: Domenico Ghirlandaio
  
• Anno: 1493

Tre santi scultorei in nicchie architettoniche. Le linee pulite del Ghirlandaio e le forme ispirate a Michelangelo ne fanno un preludio dello stile dell'Alto Rinascimento.

Pro tip: il Ghirlandaio fu un mentore del giovane Michelangelo - nota il DNA estetico condiviso.

• Artista: Pietro Perugino
  
• Anno: 1500

Commissionata per l'Abbazia di Vallombrosa, quest'opera grandiosa presenta Maria che sale tra un coro di angeli e musicisti.

Suggerimento: dal basso, puoi vedere i contorni della trave di legno originale utilizzata per montare il pannello.

• Artisti: Filippino Lippi (in alto), Perugino (in basso)
  
• Anno: 1504–08

Iniziato da Lippi e terminato dal Perugino, questo dipinto in due parti cattura il dramma della discesa di Cristo dalla croce.

Suggerimento: confronta il movimento svolazzante della parte superiore con il tranquillo realismo della sezione inferiore: due maestri, due visioni.

• Artista: Raffaellino del Garbo
  
• Anno: Inizio del XVI secolo

Meno famoso, ma visivamente interessante, questo pannello mostra il momento del trionfo di Cristo sulla morte in una scena serena ma potente.

• Artista: Laboratorio di Lo Scheggia (probabile)
  
• Anno: c. 1450

Un pannello per la cassa nuziale che mostra un sontuoso corteo nuziale fiorentino.

Pro tip: Cerca il Battistero e i dettagli della moda rinascimentale, istantanee in miniatura della vita del XV secolo.

• Artista: Attribuito a Botticelli
  
• Anno: Fine del XV secolo

Una Madonna simbolica con motivi di stelle e melograni.

Pro tip: "Stella Maris" (stella del mare) è un riferimento poetico a Maria: osserva la stella d'oro scintillante sulla sua veste.

• Artista: Michelangelo
  
• Anno: Inizio del XVI secolo

Il più rifinito dei quattro, con una muscolatura potente e uno sguardo rivolto verso il basso. Alcuni interpretano questo fatto come un'allegoria della prigionia intellettuale o spirituale.

Suggerimento: Osserva attentamente le gambe: Michelangelo ha quasi completato l'anatomia, rivelando la sua maestria con le forme maschili e il marmo.

• Artista: Michelangelo
  
• Anno: Inizio del XVI secolo

Sembra che porti il peso del mondo sulle spalle, da cui il nome. La sua forma è a malapena scolpita, eppure il peso è palpabile.

Suggerimento: posizionati in diagonale per vedere come la figura emerge in diagonale dal blocco, come un gigante che spinge per uscire.

• Artista: Michelangelo
  
• Anno: Inizio del XVI secolo

Una figura tortuosa e ascendente: questa è la più dinamica delle quattro. Spesso viene letto come simbolo di risveglio spirituale o di liberazione dall'ignoranza.

Suggerimento: osserva i segni dello scalpello sul petto e sulle cosce: gli strumenti di Michelangelo sembrano congelati durante l'azione.

• Artista: Michelangelo
  
• Anno: Inizio del XVI secolo

Il più astratto e meno definito, che suggerisce una gioventù che sta ancora emergendo dal caos. La posa è contenuta, quasi fetale.

Suggerimento: Cammina lentamente: questa scultura cambia radicalmente da diverse angolazioni.

• Artista: Fra' Bartolomeo
  
• Anno: c.1515

Queste figure vibranti e volumetriche furono dipinte per una cappella privata fiorentina. Ispirati ai profeti della Cappella Sistina di Michelangelo, riprendono il peso scultoreo e il panneggio espressivo del suo lavoro.

Suggerimento: individua il cartiglio con la scritta "ECCE DEVS SALVATOR MEVS", un'allusione al nome del proprietario, Salvatore.

• Artista: Andrea del Sarto
  
• Anno: c. 1515–20

Un raro affresco su questo tema a Firenze, che mostra Cristo nella grotta con le sue ferite. Potente ma sereno, cattura la vulnerabilità spirituale della Passione.

Un consiglio da professionista: Nota: lo struggente equilibrio di dolore e forza nell'espressione di Cristo.

• Artista: Michele di Ridolfo del Ghirlandaio
  
• Anno: 1560–70

Un elegante profilo femminile interpretato come Zenobia, la regina guerriera. Con i capelli stilizzati e lo sguardo morbido, riflette lo stile di disegno di Michelangelo.

Suggerimento: Cerca l'orecchino a forma di stella, un sottile accenno al potere e alla femminilità della protagonista.

• Artista: Michele di Ridolfo del Ghirlandaio
  
• Anno: 1560-70

Come pendant del ritratto di Zenobia, questa donna idealizzata indossa trecce e gioielli ornati, evidenziando l'estro decorativo del manierismo fiorentino.

Pro tip: confronta questo ritratto con il primo: uno è audace e forte, l'altro è più delicato e ornamentale.

• Artista: Pontormo (da un cartone di Michelangelo)
  
• Anno: ca. 1533

Basato su un disegno di Michelangelo, questo pannello mostra Cupido che abbraccia Venere, una meditazione rinascimentale sull'amore divino e sensuale.

Pro tip: La posizione delle figure simboleggia due tipi di amore: la passione terrena e la devozione spirituale.

• Artista: Daniele da Volterra
  
• Anno: metà del XVI secolo

Fuso dopo la morte di Michelangelo, questo busto mostra il maestro in età avanzata, stanco, pensieroso e sfiduciato. Volterra, un amico intimo, scolpì diversi busti in omaggio.

Suggerimento: Questo busto è stato scolpito dall'uomo che ha "censurato" il Giudizio Universale di Michelangelo ** . Nota la dignità che gli conferisce ancora qui.

• Artista: Michelangelo
  
• Anno: 1501–1504
  
• Materiale: Marmo di Carrara
  
• Altezza: 17 piedi (5,17 metri)

Scolpito da un unico blocco di marmo, il David di Michelangelo ** cattura il momento di tensione che precede la battaglia, attento, concentrato e ricco di dettagli. La sua posizione e la sua espressione riflettono la lotta interiore e lo scopo divino, non solo la perfezione fisica.

***Consiglio: Visualizza tutto David* da tutti i lati. Il suo sguardo mutevole, il busto contorto e la sottile tensione rivelano più emozioni più a lungo si guarda. Non si sta atteggiando, si sta preparando.

• Artista: Francesco Salviati
  
• Anno: metà del XVI secolo

I colori brillanti e cangianti tipici del Manierismo donano calore a questa scena della Sacra Famiglia. Le figure di Salviati si contorcono con un movimento dinamico, un chiaro omaggio ai corpi scultorei di Michelangelo.

Curiosità:**** Salviati aiutò a salvare il braccio rotto di David dopo che era stato frantumato nel 1527.

Consiglio professionale**:** Cerca i blu e i verdi scintillanti, recuperati durante il restauro del 2003.

• Artista: Santi di Tito
  
• Anno: c.1590

Questa commovente scena di lamento fonde la struttura rinascimentale con l'emozione barocca. Un cavaliere spagnolo, Ernando Sastri, si inginocchia accanto alla Vergine Maria, collegando il momento sacro allo spettatore.

Suggerimento: nota come le croci del Golgota incorniciano sottilmente il lamento, attirando i tuoi occhi nello spazio.

• Artista: Bronzino (con Alessandro Allori)
  
• Anno: 1561

Commissionata da Cosimo I per l'isola d'Elba, questa composizione drammatica conduce l'occhio dalla rimozione di Cristo dalla croce ai suoi seguaci in lutto che si trovano in basso.

Dettaglio divertente:**** Bronzino inserì il suo autoritratto: un uomo barbuto che guarda verso l'esterno da sinistra.

Un consiglio da professionista:**** La città fortificata sullo sfondo potrebbe raffigurare Portoferraio, legando l'opera d'arte alla sua destinazione.

• Artista: Alessandro Allori
  
• Anno: c.1572–78

Un ambiente tranquillo e intimo per un messaggio divino. Gabriele fluttua su una nuvola e offre a Maria un giglio bianco mentre gli angeli fanno piovere fiori dall'alto.

Suggerimento: cerca il cestino da cucito e il cuscino ricamato, dettagli domestici che umanizzano questo momento sacro.

• Artista: Alessandro Allori
  
• Anno: 1593

Un tripudio di dettagli botanici circonda l'incoronazione di Maria in cielo. Oltre 20 specie di fiori rappresentano le sue virtù.

Curiosità: Grazie ai giardini botanici dei Medici, Allori dipinse molti di questi fiori dal vero.

Pro tip: Individua la firma di Allori nascosta sul bordo del vaso di fiori scuri.

Opere degne di nota:

- *Busto di Niccolò Machiavelli*<br/>
- *Ritratti di aristocratici stranieri*<br/>
- *Figure sepolcrali commissionate dalla nobiltà europea*

Bartolini era noto per il suo realismo psicologico e per la sua capacità di riflettere sottilmente le emozioni, lo status e il carattere attraverso un'attenta modellazione del viso. La sua clientela, che spaziava dalla nobiltà russa, polacca e inglese all'élite locale, commissionava busti eleganti, medaglioni e ritratti idealizzati.

Suggerimento: presta attenzione alle acconciature e ai dettagli dell'abbigliamento: rispecchiano gli ideali di moda dei periodi Impero e Neoclassico, mostrando linee verticali e un'eleganza sobria.

Opere degne di nota:

- *Busto di Brunelleschi e Arnolfo di Cambio*<br/>
- *Ritratti di bambini commissionati da famiglie aristocratiche*

Pampaloni era specializzato nel rendere l'innocenza infantile e la femminilità idealizzata con un tono dolce e lirico. Le sue sculture sono più delicate e di grande impatto emotivo, soprattutto i ritratti di bambini, ricchi di fascino e di dettagli simbolici.

Suggerimento: cerca la firma di Pampaloni , la modellazione morbida di guance e mani: era famoso per la sua capacità di animare anche le forme più immobili con un senso di vita.

La Gipsoteca è anche una lezione di tecnica scultorea del XIX secolo:

• I modelli venivano prima scolpiti nell'argilla e poi colati in gesso.
  
• I chiodi inseriti in posizioni precise aiutavano gli artisti a trasferire le proporzioni sul marmo.
  
• Alcuni calchi sono stati patinati per imitare il marmo, il bronzo o la terracotta.
  
• Un video all'interno della Gipsoteca mostra il processo di fusione del gesso passo dopo passo: non perdertelo se sei curioso di sapere come prendono vita i capolavori in marmo.

Suggerimento: non si tratta di "semplici copie", ma di cianografie funzionanti, piene di segni di misurazione e prove di texture che rivelano la mano dello scultore al lavoro.

• Titolo: Il reparto ospedaliero di San Matteo
  
• Artista: Jacopo Carrucci (Pontormo)
  
• Anno: c.1514
  
• Medio: Affresco con pigmento "terra verde

Lungo la parete di sinistra, incastonato tra modelli in gesso, si trova un piccolo ma storico affresco, la prima opera conosciuta di Pontormo. Utilizzando pigmenti di terra verde, l'affresco offre uno sguardo "fotografico" sulla precedente vita della sala come reparto ospedaliero femminile.

Cosa cercare: Modesti letti di legno disposti in fila; Suore che assistono i malati; Atti di carità, preghiera e lavaggio dei piedi; Una rara narrazione della vita quotidiana nella Firenze del primo Cinquecento.

Punti salienti: L'albero della vita di Pacino di Bonaguida

• Data: c. 1305–10
  
• Medio: Tempera su pannello
  
• Origine: Convento delle Clarisse, Firenze

Questo crocifisso monumentale a forma di albero simboleggia l'Albero della Vita e i suoi rami sono pieni di tondi che illustrano la vita, la Passione e la Resurrezione di Cristo. In basso, scene della Genesi e santi chiave (Mosè, San Francesco, Santa Chiara e San Giovanni) creano una narrazione teologica stratificata. In alto, il pellicano che nutre i suoi piccoli con il sangue è un simbolo del sacrificio di Cristo.

Punti salienti: Il Crocifisso di Bernardo Daddi

• Data: c. 1345
  
• Origine: Chiesa di San Donato in Polverosa
  
• Stile: Segue il formato espressivo del "Christus Patiens" di Giotto.

Cristo pende senza vita sulla croce, affiancato dalla Vergine e da San Giovanni, con scene della sua passione alle estremità dei bracci. L'iscrizione "DICEST IESUS NAZARENUS REX IUDAEORUM" (Gesù di Nazareth, Re dei Giudei) afferma la narrazione evangelica. Quest'opera esemplifica l'eredità di Giotto nel combinare emozione e struttura.

• Soggetto: Scene dal vivo di Cristo e San Francesco
  
• Formato: Pannelli a forma di trifoglio
  
• Origine: Basilica di Santa Croce, Firenze

Creati per i banchi del coro, questi pannelli in scala ridotta mostrano la chiarezza narrativa di Gaddi e sono un eccellente esempio di narrazione devozionale del XIV secolo.

Suggerimento: molte opere presenti in questa sala erano oggetti devozionali portatili portati dai pellegrini. Prova a immaginarli in cappelle private o durante lunghi viaggi, l'arte come compagna spirituale.

Punti salienti: Andrea di Cione (Orcagna), Trittico della Pentecoste

• Data: 1365
  
• Commissione: Chiesa dei SS. Apostoli, Firenze
  
• Iconografia: Discesa dello Spirito Santo su Maria e gli Apostoli

La Vergine centrale è monumentale, affiancata da angeli in volo e da apostoli inginocchiati, ognuno dei quali reagisce individualmente all'evento. Un apostolo guarda anche direttamente verso l'esterno, invitando lo spettatore a entrare nella narrazione sacra.

Pro tip: Originariamente ornato da cuspidi gotiche, questo trittico aveva una presenza verticale imponente nella sua chiesa - nota: anche senza di esse, la sua simmetria attira lo sguardo verso l'alto.

• Data: 1365
  
• Commissione: Monastero di Santa Maria degli Angeli

Un solido Dio Padre in trono regge il Cristo crocifisso, con lo Spirito Santo sotto forma di colomba tra di loro: una rara e potente rappresentazione della Trinità. Le scene della predella illustrano episodi della vita di San Romualdo, fondatore dell'ordine camaldolese, mentre le cuspidi dorate incorniciano angeli portatori di incenso e l'Agnus Dei (Agnello di Dio).

• Ripristinato: 2011
  
• In visione: Dal 2014

Questa splendida pala d'altare, recentemente restaurata, mostra la Incoronazione della Vergine Maria in Paradiso, circondata da santi e angeli in adorazione. Le linee decise di Jacopo, la palette di colori luminosi e l'uso dell'oro creano un'armonia celestiale.

• Maker: Antonio Stradivari
  
• Data: 1690
  
• Materiale: Abete rosso e acero
  
• Decorazione: Stemma mediceo intarsiato (madreperla, ebano, avorio)

Questo è l'unico strumento superstite del famoso quintetto Medici ancora in condizioni incontaminate. Commissionata dal Gran Principe Ferdinando, la viola mette in mostra sia l'impareggiabile abilità di Stradivari che il sontuoso gusto musicale della corte.

• Inventor: Bartolomeo Cristofori
  
• Periodo: Fine del 1600-inizio del 1700
  
• Patron: Il Gran Principe Ferdinando de' Medici

Cristofori, un brillante costruttore di strumenti di Padova, fu assunto dai Medici nel 1688 e inventò il "pianoforte", la prima versione del pianoforte moderno. Il museo ospita i primi esempi delle sue spinette e dei suoi clavicembali, oltre alla documentazione del suo lavoro innovativo.

🎧 I visitatori possono confrontare il suono del primo pianoforte con quello di strumenti precedenti come il clavicembalo attraverso display interattivi.

Lo sapevi? A differenza del clavicembalo, il pianoforte di Cristofori poteva variare il volume a seconda del tocco: un salto rivoluzionario nella storia della musica.

La corte dei Medici non si limitava a collezionare strumenti: curava un'élite musicale. Questa sezione presenta un sorprendente ciclo di ritratti di Anton Domenico Gabbiani (1685-1690), che ritraggono musicisti di corte realmente esistiti con sorprendente accuratezza.

• Cerca i famosi compositori Pietro Salvetti e Francesco Veracini, identificati dai loro strumenti e dal loro abbigliamento.
  
• In mostra anche: Dipinti di nature morte del XVII secolo raffiguranti eleganti ambienti musicali - tavoli imbanditi con frutta, spartiti e strumenti barocchi, che riflettono la ricchezza sensoriale della vita culturale dei Medici.

• Artista: Laboratorio di Jacopo di Cione
  
• Anno: Fine del XIV secolo

Un racconto tragico e teatrale di tre momenti chiave della Bibbia:

1. Strage degli Innocenti (registro superiore)
   
2. Adorazione dei Magi
   
3. Fuga in Egitto: I dettagli delle espressioni, dei costumi e delle azioni avevano lo scopo di comunicare con gli analfabeti. Nota: l'abito alla moda dei re e dei nobili e il falconiere bendato, comune nelle scene di caccia nobiliari.

Suggerimento: fai attenzione alla piccola figura del patrono inginocchiata vicino a San Giuseppe: personalizza la scena, una caratteristica comune del tardo gotico.

• Artista: Don Silvestro Gherarducci
  
• Anno: Fine del XIV secolo

Una Madonna seduta su un cuscino, che simboleggia humus (terra). Il Cristo bambino cerca il seno di Maria, un gesto pieno di intimità.

Pro tip: Esamina l'intricata punzonatura delle vesti e del mantello blu, segno dell'abilità monastica di Don Silvestro come miniatore di manoscritti.

• Posizione: Lato destro

Commissionato dalla Gilda della Seta. San Giovanni sconfigge l'avidità, l'orgoglio e la lussuria. Cerca il simbolo del cancello, un richiamo alla sede originaria della Gilda e al suo segreto commercio della seta.

Suggerimento: Questo è un primo esempio di utilizzo dell'allegoria e dell'identità della corporazione nell'arte religiosa pubblica.

• Posizione: Lato sinistro

Patrono dei viticoltori, mostrato con una coppa simbolica nella predella. La sua forma alta e stretta si adattava ai pilastri della chiesa di Orsanmichele.

Suggerimento: Nota: l'architettura e la pittura gotica lavoravano mano nella mano e le cornici imitavano gli edifici!

• Artista: Giovanni del Biondo
  
• Anno: Fine del XIV secolo

Una delle più grandiose pale d'altare. Si sviluppa su più livelli, con santi che affiancano la Vergine e una schiera di angeli. I santi sono etichettati come importanti quando la maggior parte degli spettatori era analfabeta.

Suggerimento: Cerca gli attributi simbolici - il mantello rosso di Maria Maddalena, la ruota di Santa Caterina, ecc.

• Artista: Lorenzo Monaco
  
• Anno: Inizio del XV secolo

Elegante ed etereo, questo trittico gotico risplende di oro e colori vivaci. L'Arcangelo Gabriele entra in scena; la Vergine indietreggia con timore divino.

Suggerimento: Individua il maiale selvatico ai piedi di Sant'Antonio, un cenno alle tradizioni di guarigione dei monaci antoniani.

• Artisti: Spinello Aretino, Niccolò di Pietro Gerini, Lorenzo di Niccolò di Martino
  
• Anno: 1401

Un capolavoro collaborativo che mostra la Vergine incoronata in cielo. Destinato a un monastero femminile, simboleggia la ricompensa celeste per la pietà.

Pro tip: Non perdere gli angeli che suonano strumenti musicali medievali come cornamuse e tamburi.

• Artista: Jacopo Cambi
  
• Anno: 1336

Uno splendido tessuto ricamato con oro, argento e seta, che originariamente ricopriva l'altare di Santa Maria Novella.

Pro tip: Si tratta di un raro tessuto liturgico sopravvissuto, che mette in mostra la tradizione fiorentina del ricamo, famosa in tutto il mondo.